Índice
1 Resumen
2 Construcción y mimesis
3 Verdad y apariencia
4 La belleza natural
5 Reconciliación con lo sublime
6 Doble papel del arte
7 Edición original y traducciones
8 Bibliografía
9 Notas
10 Enlaces externos

Adorno no sólo se preocupa del habitual concernimiento estético por la función de la belleza y lo sublime en el arte,2​ sino de las relaciones entre arte y sociedad. Considera que la liberación que el arte moderno ha obtenido frente a las restricciones propias de periodos anteriores (que provenían de la naturaleza de sus funciones -glorificar a la divinidad o al poder-), le ha llevado a expandir su capacidad crítica e incrementar su autonomía formal. Junto a esta expandida autonomía le llega al arte una mayor responsabilidad en el uso de su capacidad de crítica social. No obstante, Adorno no considera que los contenidos abiertamente politizados sean la mayor fuerza crítica del arte: sino, más bien, propugna un tipo más abstracto de "contenido de verdad" (Wahrheitsgehalt).1​ Al contrario que la estética idealista kantiana, la estética de Adorno localiza el "contenido de verdad" en el objeto artístico, en vez de en la percepción del sujeto.3​ No obstante, tal contenido se ve afectado por la autoconciencia del arte de su necesaria distancia de la sociedad, perceptible en las disonancias inherentes al arte moderno. El "contenido de verdad" se encuentra en último término en la relación entre las múltiples interacciones dialécticas que emergen de la posición relativa de la obra de arte entre el sujeto y la tradición, así como en la dialéctica interna dentro de la obra misma.1​ De forma reiterada, a lo largo del texto, se cita elogiosamente a Samuel Beckett, a quien la obra está dedicada.1​